5 conseils pour débuter en photos de danse

Vous êtes de plus en plus nombreux à me demander via ma page facebook notamment des conseils pour vos photos de danse.
Je suis toujours partant pour donner de rapides conseils mais je pense qu’un petit article s’impose !

Bien sûr, il existe de nombreuses façons de concevoir la photo de danse, certains vont préférer se concentrer sur les détails d’un mouvement d’une expression, d’autres sur une vue d’ensemble de la chorégraphie. Certaines personnes vont préférer privilégier un flou de mouvement du danseur, d’autre encore vont essayer de le figer dans son geste.

Le gros des demandes concernent des parents qui souhaitent prendre des photos de leur enfant chéri sur scène, leur but sera alors de figer l’instant et c’est pourquoi je vais vous expliquer la meilleure façon d’obtenir ce rendu.

1. Privilégiez la vitesse.

Pas de mystère : pour figer un mouvement en danse comme en sport, il faut évidemment privilégier la vitesse. Un danseur qui saute ou qui tourne ne va pas vous attendre éternellement dans les airs et vous n’aurez bien souvent pas de seconde chance !
Privilégiez donc le monde priorité vitesse de votre appareil photo en le fixant à une vitesse de déclenchement d’au moins 1/100, plus bien sûr si vous le pouvez. Si le sujet est en mouvement et que vous shootez à une vitesse plus lente, le mouvement ne sera de toute façon pas figé.

Mode vitesse NikonMode vitesse Canon

2. Mesurez la lumière.

Banissez le mode de mesure évaluatif et préférez le mode de mesure ponctuel ou mesure spot.
Pourquoi ? Votre danseur évoluera la plupart du temps sous un éclairage de scène avec un lumière très vive (spot, douche ou poursuite par exemple). Le tapis de scène et le fond seront noirs dans 95% des cas … Si vous utilisez un mode évaluatif votre appareil va faire l’analyse suivante :
– « houlaaaa mais c’est globalement tout noir ça … à part le petit point très lumineux.
Bon j’éclaircis la photo ! »

spot

Le problème c’est que le petit point lumineux c’est le danseur et que votre appareil va faire en sorte de vous procurer un maximum de luminosité sur les détails du rideau et du liner mais que le danseur aura alors tout l’aspect d’une tache blanche et informe. On appelle ça « cramer une photo » ou encore « avoir la gueule en fromage blanc ».

Vous devez donc impérativement faire la mesure de lumière sur le danseur, rien que le danseur : vous devez donc au choix utiliser une mesure spot, faire une mémorisation d’exposition ou encore contrôler vos photos en faisant une correction de mesure d’exposition en cours de prise de vue.

3. Maîtrisez la sensibilité, gérez vos iso.

Du bon sens … voyons votre but est de figer le mouvement et donc d’utiliser la vitesse d’exposition la plus rapide. Plus la sensibilité est élevée et plus la prise de vue pourra être rapide. Vous devez donc augmenter vos iso mais en restant toujours dans la limite de ce que votre boitier sait gérer correctement sous peine d’obtenir une bouillie informe de pixels.
J’insiste sur ce point : la sensibilité maximale utilisable de votre appareil n’a souvent rien à voir avec celle qu’il prétend atteindre commercialement.
Sachez rester raisonnable !

4. Bannissez le flash.

no-flash

Tout est dans le titre … Le flash est dangereux pour les danseurs et d’ailleurs souvent interdit … en plus il va réduire à néant la magie de la scène et des éclairages.

Cette règle n’est pas propre bien sûr à la photo de danse mais à la photo de spectacle en général.

5. Évitez le piège du mode rafale.

Oui, je sais … il est tentant et parfois utile d’employer le mode rafale. En fait j’ai connu des photographes qui l’utilisaient tellement qu’ils ont fini par se mettre à la vidéo.

Il faut comprendre que si le mode rafale vous permet de suivre un mouvement en le décomposant en plusieurs images, il ne vous permet paradoxalement pas de choisir le fameux instant décisif. Crispé sur votre déclencheur, vous allez prendre 5 photos en 1 seconde mais à part la première vous n’aurez pu choisir l’instant de déclenchement d’aucune.
Mon conseil si ce mode vous rassure est donc de déclencher à l’instant qui vous semble le meilleur et de laisser ensuite la rafale sur quelques photos.

5 conseils pour débuter en photos de danseDidier Philispart
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6 comments on "5 conseils pour débuter en photos de danse"

  1. Didier,

    que de bons conseils.

    je nuancerais simplement le point 2 : j’estime qu’en mesure matricielle et avec une bonne correction de l’exposition (entre -0,3 EV et -0,7) on arrive à de très bons résultats. En fait ainsi, on se libère d’une mesure sur un point à l’ombre ou sur une peau noire (par exemple). Personnellement, c’est mon mode et je constate moins de déchets.

    Concernant la vitesse, je pense que 1/100 est vraiment le minimum et qu’il faut plutôt tenter le 1/200 si possible, sauf si la focal est entre 70 et 14mm où 1/125 est largement suffisant. Car, outre le bougé du danseur, il faut faire attention au bougé du photographe ; si l’un peut être artistique, l’autre sera toujours désagréable.

    Enfin, je rajouterai un 6ème point : aussi important que puisse être la photo à prendre, il ne faut pas déranger les artistes/danseurs et tout autant le public ! En d’autres termes, un photographe doit être en tout point discret. Soit :
    – visuellement : jamais entre le public et la scène, ou alors dans une position plus basse. Le plus souvent, de longue focale (200mm) permettent de bonnes choses en étant loin. C’est d’autant plus vrai s’il y a 5 photographes, il y a de quoi gâcher un spectacle.
    – auditivement : utiliser si besoin les déclenchements les plus silencieux (mode Quiet chez Nikon, par exemple). Il n’y a rien de plus affreux que se concentrer sur une musique (partie importante) et d’avoir des clac/clic/clac toutes les 10s !
    – sensoriellement : ne jamais bousculer le public, il est le maître et lui est venu pour en prendre plein les yeux dans de bonnes conditions.

    • Merci pour ce commentaire Arnaud.

      Evidemment mon article ne prétend pas être exhaustif. La correction d’exposition est une technique qui donne effectivement de bons résultats comme la mémorisation d’exposition d’ailleurs.

      Les techniques de gestion du bruit sonore très critiques en terme de photos de danse ou de musique classique par exemple, feront l’objet de mon prochain article.

  2. Je rejoins cet article. En photos de spectacles (incluant les concerts), je suis toujours en priorité vitesse, mesure spot.
    La correction d’exposition dont parle Arnaud (nous nous sommes déjà croisés d’ailleurs il me semble, Zenith de Dijon), je l’obtiens en augmentant légèrement ma vitesse, de façon à obtenir dans mon viseur quelques barres vers la sous-exposition…
    Et en fonction des conditions de luminosité, j’adapte ma sensibilité ISO (comme il est dit dans l’article, privilégier autant que possible les sensibilités les plus basses).
    Et que de belles photos sur ce site, ça fait du bien aux yeux 🙂

    • Didier Philispart on

      Merci Didier pour ta contribution. Cette technique est très utile pour compenser les éclairages violents des projecteurs tout en en tirant le meilleur profit. Je l’utilise aussi régulièrement.
      … et bravo pour tes superbes photos !

  3. bigo bertrand on

    en 2014 tu as écrit: « Les techniques de gestion du bruit sonore très critiques en terme de photos de danse ou de musique classique par exemple, feront l’objet de mon prochain article. »

    C’est pour quand 🙂

    Cordialement
    Bertrand

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